Antonio Canova er en italiensk billedhugger og kunstner. Han var den mest markante repræsentant for klassisismen i europæisk kultur. Akademikere i det XIX århundrede, inklusive Thorvalsen, betragtede ham som en rollemodel. De største samlinger af Canovas værker opbevares i Louvre og eremitagen.
En fremragende repræsentant for den nye klassisisme roste den perfekte skønhed. Med sit arbejde gjorde han en revolution i kunsten. Mesteren begyndte at skabe på den barokke måde af Lorenzo Bernia, men lykkedes derefter at finde sin egen vej.
Begyndelsen på kreativitet
Biografien om den berømte mester begyndte i 1757. Han blev født i den italienske by Possagno i stenhuggeren Pietro Canovas familie og hans kone Angela Zardo Fantolini den 1. november. Far døde i 1761. Børnet blev opdraget af sin bedstefar.
Pazino Canova, der ejede murværksteder, var meget vanskelig. Drengen lærte at arbejde med sten. Bedstefar bemærkede talentet fra hans barnebarn og introducerede Antonio Giovanni Faliero. I 1768, under protektion af en indflydelsesrig senator, begyndte den unge mester at fremstille de første værker.
For at undervise sit barnebarn solgte hans bedstefar gården. Med de modtagne midler var Antonio i stand til at studere kunsten i antikken. I oktober 1773 begyndte den unge mand skulpturen "Orpheus og Eurydice", bestilt af sin protektor. Færdig skulptur af Canova to år senere. Arbejdets succes var øredøvende.
Kilden til inspiration for den unge billedhugger var gammel græsk kunst. Anerkendte mesterværker fra hans tid er ikke inkluderet i antallet af rollemodeller. I Venedig åbnede Antonio sit værksted. I det i 1779 blev der oprettet en ny komposition, Daedalus og Icarus. Efter at have udstillet det på Markuspladsen blev der igen universel anerkendelse.
Vidunderligt arbejde
På et af Canovs første succesrige værker præsenteres to figurer. Icarus er upåklagelig smuk og ung. Den gamle Daedalus krop er ufuldkommen.
Daedalus og Icarus
På eksemplet med sammenstilling af ungdom og alderdom forbedres indtrykket af sammensætningen meget.
Billedhuggeren fandt og brugte en ny, som er blevet en favorit, teknik. Symmetriaksen løber gennem midten, men figuren af Icarus afviger tilbage. Sammen skaber begge helte en X-formet linje, der giver den nødvendige balance. For mesteren var spillet af skygge og lys også vigtigt.
I 1799 flyttede den 22 år gamle mester til Rom. Han begyndte at studere skabningerne fra mestrene i Grækenland. Efter at have lært alle hovedpersonerne i mytologien, overvejede Canova sine egne kunstneriske traditioner. Den unge mester satte enkelhedens adel på deres base. Dette påvirkede hans arbejde markant.
"Cupido og Psyche"
Skulpturer af Antonio's samtidige er på niveau med de legendariske billedhuggere fra antikken. Mesteren arbejdede med at forbedre den klassiske stil. Billedhuggeren passer perfekt ind i den kulturelle atmosfære i den evige by. Hans arbejde gav ham anerkendelse og succes over hele verden.
Kompositionen "Cupid og Psyche", udført i 1800-1803, er repræsenteret af to figurer. Kærlighedens Gud kigger ind i ansigtet af en smuk elsker med ømhed. Psyche svarer ham med den samme følelse. Skæringspunktet mellem begge figurer danner en svingete og blød X-formet linje.
Publikum får indtryk af flydende figurer i luften. Psyke med Cupid afviger diagonalt. Ligevægt opnås med de udstrakte vinger fra en beboer i Olympus. Midten i kompositionen er den krammende gud af kærlighed Psyche. Former af former er kendetegnet ved elegant glatthed. Så udtrykker mesteren ideen om idealet om skønhed. Den originale statue opbevares i Louvre.
Billedhuggerens første værker gentog værkerne fra fremtrædende billedhuggere. Da han studerede værkerne fra græske mestere, besluttede Canova imidlertid at undgå at overdrive betydningen af lidenskab og gestus i sine kompositioner. Han kom til den konklusion, at kun ved streng beregning og kontrol kan han formidle sensualitet med idealitet.
Mesterens værker lignede ikke den kunst, som hans samtidige kendte. I trin skabte Canova unikke værker, der flyttede fra voks og ler til gips. Først efter at alt begyndte at arbejde med marmor. Billedhuggeren arbejdede utrætteligt i 14 timer uden at forlade værkstedet i endnu et minut. Der er ingen oplysninger om hans personlige liv.
"Tre nåder"
Mellem 1813 og 1816 blev skulpturen "Tre nåder" skabt. Ideen blev præsenteret af Josephine Beauharnais. Der er antagelser, til at begynde med skulle billedhuggeren fremstille Harit traditionelt, som det var antaget i mytologien. Thalia, Euphrosyne og Aglaya, de smukke døtre af Zeus, ledsagede gudinden af skønhed Afrodite.
Symboler for nåde blev glæde, velstand og skønhed. Kompositionens centrale figur er omfattet af de to andre. Enhed styrker tørklædet ved at forene dem. En søjle med en krans anbragt på den tjener som et slags alter.
Afspilningen af lys og skygge opnås ved glatten i kroppens bøjninger og den perfekte behandling af marmor. Denne teknik blev brugt i andre kreationer af mesteren. Harmony og sofistikering legemliggør de tre haritter. Den originale skulptur opbevares i Hermitage.
Marmor billedhugger kun brugt hvid marmor til modellering. Med kompositionernes harmoni ser kreationer af stille liv ud. Indtrykket af genoplivning i bevægelse. Et træk ved mesteren af mesteren var den maksimale polering af materialet. Alle værker fik en særlig glans og henledte opmærksomheden på naturlighed.
